Un texto breve y apasionante, polémico, en el que se articulan los ejes principales de la gran pintura italiana. Tres protagonistas fundamentales por encima de los nombres más consagrados: Giotto, Piero della Francesca, Giovanni Bellini. Con ellos, Paolo Uccello, Antonello da Messina, Miguel Ángel y los grandes venecianos; también Caravaggio. La narración de Longhi rompe los esquemas preestablecidos y se aventura en una articulación histórica original. Si algo le preocupa es mirar las obras y analizarlas en esa mirada: su argumento prescinde de los elementos externos y trata de precisar con rigor los caracteres de su plasticidad. En 1914, cuando solo tenía veinticuatro años, Roberto Longhi redactó esta síntesis de la historia de la pintura italiana para uso de los estudiantes del liceo en el que impartía clase. Reproducida en numerosas ocasiones, se convirtió en un texto legendario que solo muchos años después sería publicado, que ofrecemos en traducción castellana. Como ha dicho su introductor, Cesare Garboli, aquí está en embrión el Longhi posterior. Un embrión apasionante y polémico, que se lee «de un tirón», casi como si fuera una novela.

Esta obra es un estudio original e inédito sobre la parodia, la caricatura y la comedia como retóricas culturales en la antigua Grecia. Con más de cien ejemplos recogidos de vasijas, tablillas, frascos u otros soportes, esta obra de Álvarez Junco constituye una ventana por la que asomarnos a uno de los aspectos menos conocidos y poco estudiados de una parte de la sociedad griega: su humor gráfico. ¿Cómo dialogan lo obsceno, lo sagrado y el humor en la antigua Grecia? Un recorrido a través de la configuración del sistema figurativo clásico y del juego con sus propios elementos reglados, que nos dará las claves para entender lo que hemos heredado y lo que, inevitable¬mente, hemos perdido de aquella sociedad de la que venimos.

Acostumbramos a hablar del mundo de la ficción como si a un texto o una imagen le correspondiera uno y solo un mundo, como si una novela representara todos los estados de cosas y los hechos de ese mundo. Sin embargo, los estados de cosas descritos y los hechos narrados en una novela no dibujan un mundo en su totalidad, ni siquiera son todos los que necesitamos para entenderla. El mundo desborda el texto de la obra y a la propia la obra, que sería ilegible sin ese mundo sobre el que tiene sentido. El lector hace inferencias, establece hipótesis, llega a conclusiones y adopta actitudes ?más o menos deliberadamente? haciendo uso de supuestos y creencias que no son explícitas, sino que tienen que ver con ese mundo de trasfondo. Los personajes adultos han tenido una infancia, las emociones que motivan sus actos tienen una historia, cuando la acción deja de centrarse en ellos, siguen existiendo, los acontecimientos siguen teniendo consecuencias, las geografías de los lugares preexisten o en todo caso se suponen el escenario permanente de las historias, etc.

Durante los últimos años cincuenta y a lo largo de los sesenta del s. xx diversos movimientos colectivos, equipos y grupos, protagonizaron el desarrollo de las artes plásticas frente al individualismo tradicionalmente proclamado como rasgo propio del artista. Jacopo Galimberti analiza su actividad y la pone en relación con la situación política europea de ese momento. Colectivos como la Internacional Situacionista, N, GRAV, Spur, Geflescht, Kommune fueron decisivos en este panorama. Con ellos, los españoles Equipo 57, Equipo Crónica y Equipo Realidad, que, con la obra de Eduardo Arroyo en esos años, constituye uno de los temas centrales del libro.

Paula Barreiro ha estudiado la crítica de arte y el arte de vanguardia en los años 1940-1975-76 desde dos perspectivas fundamentales: analiza con minuciosidad y rigor el desarrollo de la crítica de arte en España en el marco del contexto social y político, con especial atención a la complejidad de los problemas suscitados por la naturaleza de este contexto, y lo hace situando esta crítica en el ámbito de la crítica de arte internacional, con especial atención a la italiana, evitando de esta manera una mirada de otra forma elemental.

Émile Zola (1840-1902) es el novelista más importante del naturalismo y es también un crítico de arte radical. Amigo de Cézanne y de Manet, defiende a los grandes artistas románticos, a Delacroix de un modo especial, y naturalistas, Courbet. Defiende con denuedo un arte que se aproxime a la naturaleza con la energía y la verdad de un temperamento, una concepción afín al naturalismo de sus novelas.
Publica la primera, La Confession de Claude, en 1865, momento en el que también escribe sobre Manet y el Salón de los Rechazados, e inmediatamente después sobre el Salón de 1866 en varios artículos que suscitan una gran polémica. Al año siguiente contrapone a Manet con los «pintores oficiales» y expone los principios del naturalismo en su novela Thérèse Raquin. A esta seguirá la serie de Rougon-Marcquart y novelas que causan sensación y escándalo: L?Assommoir (1876), Nana (1880), Germinal (1885) y L??uvre (1886), ocasión de su ruptura con Cézanne. Continúa publicando novelas fundamentales para el naturalismo, La Bête humaine (1890) y la última de la serie de Rougon-Marcquart, Docteur Pascal (1893).
Su intervención en el «affaire Dreyfus» y la publicación de J?Acusse en L?Aurore (1898) le conducen al exilio en Inglaterra, cuando ya se había mostrado escéptico sobre el arte moderno, tal como se pone de relieve en una encuesta de Jules Huret (1891): «Je crois à une sorte de classicisme du naturalisme».

Pinturas negras de Goya analiza una de las obras más herméticas del artista y, a la vez, de mayor efecto visual y emocional. Pintadas entre 1819 y 1823 en las paredes de la Quinta sobre el Manzanares que poseía el pintor, constituyen un verdadero paradigma de la modernidad, de «Capilla Sixtina» de la modernidad se dice en el libro, y constituyen un verdadero resumen de la obra del artista aragonés. Realizadas entre 1819 y 1823 sobre los muros de dos salas de la Quinta llamada del Sordo, las Pinturas negras proporcionan una imagen del mundo sombrío y del mundo luminoso que siempre ha sido característico de Francisco Goya. Más allá del interés histórico y de la preocupación académica, sin ignorarlos, se contemplan como obras vivas, imágenes vivas en las que, a pesar de su carácter enigmático (quizá también por él), nos reconocemos.

El placer asociado a los escalofríos musicales parece estar claramente localizado fisiológicamente. Es decir, que en tales casos el placer musical gira en torno a un particular efecto fisiológico, el escalofrío que recorre nuestra piel, siendo tal efecto parte integrante del placer experimentado. Una razón por la que el fenómeno del escalofrío musical es interesante desde el punto de vista filosófico es la siguiente: ¿cómo puede un simple hormigueo o un ligero temblor, es decir, una mera alteración corporal, ser relevante para la apreciación estética? Cierto número de filósofos del arte, el más famoso Nelson Goodman, nos han acostumbrado a ver como ridícula –gracias al carácter ridículo con que la han adornado– la idea de que se pueda atribuir un rol legítimo a las sensaciones en el análisis de la respuesta estética. ¿Para qué sirve una mera sensación, aunque sea agradable, en el ámbito del arte?, ¿qué nos dice, de qué nos da testimonio?, ¿nos informa de alguna cuestión de carácter artístico?, ¿arroja luz sobre alguna relación artística de ideas? Si la respuesta es no, entonces arrojémosla, si no a las llamas, sí al cubo de la basura de la teoría del gusto. Esta es el juicio à la Goodman dominante. Pero no es algo que yo comparta por completo, de ahí mi interés por los escalofríos musicales.

Este libro, con ilustraciones y texto de Amaya Bozal, cuenta la historia de uno de los cuadros más famosos de todos los tiempos, "El jardín de las delicias", pintado por Jeronymus Bosch, El Bosco, y que hoy se encuentra en el Museo del Prado. Tanto niños como adultos podrán contemplar e intentar descifrar todos los enigmas y acertijos que esta caja de las maravillas nos presenta

El unicornio es un animal tímido y salvaje. Sería imposible capturarlo si no fuera porque tiene una debilidad: adora a las vírgenes. Cuando una muchacha virgen le llama, acude rápidamente y coloca su morro (mitad caballo y mitad cabra) en su regazo. Mientras la mira dulcemente se deja acariciar. Se trata de una trampa (¿es consciente de ello la muchacha?): los cazadores llegan de inmediato y lo matan. Estas son, sucintamente, las características y la trágica historia del unicornio o liocornio en la literatura y en las representaciones figurativas medievales. El visitante que admira los seis tapices del parisino museo Cluny, en la sala circular que lo rodea, tiene la impresión de encontrarse ante un enigma algo más complejo que la historia que acabamos de contar.